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    Jouer du tambour

    Jouer du tambour

    Chez toutes les nations autochtones du Québec, le tambour est un instrument très particulier. Tantôt spirituel et sacré, tantôt divertissant et outil social, parfois réservé aux hommes ou aux chasseurs, le tambour change de forme et d’usage en fonction des différents peuples. Avant le contact avec les colons, toutes les nations autochtones chantaient et utilisaient différentes formes de tambours et de hochets, parfois en s’accompagnant de flûtes ou de sifflets. Ces pratiques musicales étaient principalement associées à la spiritualité, et on l’utilisait généralement pour s’exprimer et accompagner des danses.

    Traditions musicales de Cris

    Dans la culture crie, un chant existe pour chaque racine, plante, herbe, minerai, esprit animal qui existe. Le chant est considéré comme un outil de changement ou de guérison. Lorsque les prêtres ont interdit, voire détruit leurs tambours, les Cris ont adopté des instruments occidentaux comme le violon, dans le but de sauvegarder leurs pratiques spirituelles. C’est ainsi que la gigue, toujours pratiquée aujourd’hui, est arrivée dans les communautés cries.

    Les instruments cris

    Le tambour était le seul instrument utilisé par les Cris avant l’évangélisation. Appelé « tawahiikin », il est fabriqué avec de la peau de caribou accrochée sur un support en bois. Une ficelle avec petits os de caribous est attachée le long de sa membrane pour créer plus de vibrations lorsque l’on bat le rythme à l’aide d’un os. Les Cris faisaient vibrer le tawahiikin dans le cadre de la chasse, entre autres, pour établir une communication spirituelle avec la nature. Les chants cris sont surtout à vocation vibratoire et non mélodieuse.

    Pow Wow et les groupes de percussion

    Le pow wow est une grand rassemblement spirituel, ou de célébration. Contrairement aux idées reçues, il s’agit d’un événement assez récent dans l’histoire du Québec, qui tire plutôt ses racines des États-Unis.

    Lors des pow wow, on peut constater que les percussions sont au cœur de nombreux groupes de différentes Nations, qui jouent des chants sur un grand tambour. Chez les Anishnabe, on trouve par exemple les groupes Eagle River et Screaming Eagle ; chez les Atikamekw, les groupes Wemotashee Singers, Black Bear, Moose Town Singers, Northern Voice. Chez les Cris, le groupe Waseskun. Tous ces interprètes et parfois auteurs-compositeurs chantent dans leurs propres langues sur la plupart de leurs albums.

    1600

    La bible accessible

    La bible accessible

    Des bibles sont traduites dans toutes les langues autochtones et imprimées, avec des chants chrétiens. Ce sont les débuts d’un métissage entre les peuples : les prêtres composent des chansons avec les Autochtones, si bien qu’on retrouve la richesse des langues autochtones dans les chants religieux écrits à l’époque.

    Disparition et modification de la musique traditionnelle

    Disparition et modification de la musique traditionnelle

    Au contact des Britanniques et des Français, et à cause de l’évangélisation, de nombreuses traditions musicales autochtones ont disparues. Chez certaines nations algonquiennes du Subarctique (Atikamekw, Cris, Anishnabe), la pratique du tambour traditionnel a pratiquement disparu: les missionnaires confisquaient et parfois, brûlaient les tambours et autres objets spirituels. Les Innus et les Naskapis sont davantage parvenus à conserver leurs traditions musicales, comme le chant au tambour teweikan. Chez les Abénakis et les Mohawks, la pratique du tambour ne s’est jamais perdue. Si certaines Nations sont parvenues à sauver leur patrimoine quasiment intacte, d’autres ne sont parvenues qu’à conserver leurs chants sans le tambour. Aujourd’hui, on assiste à une certaine revitalisation de ces traditions perdues chez les nations algonquiennes et iroquoiennes. Les femmes sont particulièrement actives dans ce travail, à l’image de Rising Moon, Odaya, Kathia Rock, Andrée Levesque-Sioui, Nathalie Picard ou Moe Clark.

    1630

    La musique comme arme d’évangélisation

    Dès 1630 en Nouvelle-France, on apprend aux enfants autochtones à chanter et jouer des instruments européens. Les missionnaires enseignent la viole, le violon, la guitare, la flûte traversière, le tambour, le fifre ou la trompette. Ils enseignent aussi beaucoup de chants chrétiens, ce qui facilite l’évangélisation. Partout au Québec, certaines pratiques traditionnelles autochtones sont ainsi perdues, notamment parce que les missionnaires confisquent ou brûlent parfois les tambours et autres objets spirituels.

    1700

    Le violon & la gigue aujourd’hui


    Le violon a été adopté par plusieurs nations, surtout lors de la traite des fourrures. Les commerçants français et écossais l’ont apporté aux différentes communautés, souvent au grand dam des aînés, qui redoutaient que cet instrument ne mène à la perte de leur culture. Le violon a été l’instrument principalement adopté lorsque les prêtres interdisaient le tambour. Avec le violon ont suivi les danses qui y sont rattachées (gigue, set carré, etc.) Les Cris et Inuits sont aujourd’hui gardiens de ces traditions européennes, préservées de façon presque intacte depuis 300 ans.

    1701

    La Grande Paix de Montréal

    La Grande Paix de Montréal

    Du 23 juillet au 7 août 1701, les pourparlers et cérémonies de la Grande Paix sont organisés à Montréal. Des représentants de Nouvelle-France, 1 300 délégués autochtones (venus pour l’occasion), 1 000 Autochtones résidant sur l’île et 2 600 colons se rassemblent. De nombreuses célébrations ont lieu, parmi lesquelles une danse du Calumet, donnée dans la maison longue d’un chef iroquois. Douze hommes sont disposés en cercle et chantent au rythme de leurs hochets, en partageant une pipe de pierre rouge garnie de plumes. Rythmé par des danses, des chants et des discours, ce rituel a pour but de dissiper les craintes et les rivalités entre hôtes et visiteurs, et de susciter des sentiments d’amitié, d’entente et de paix.

    1870

    Le tambour collectif


    À la différence du tambour traditionnel, le grand tambour collectif se joue à plusieurs personnes. Son existence remonterait aux années 1870. L’histoire dit qu’une femme Sioux, Tailfeather Woman, a reçu en rêve – un don des esprits – ce tambour et ses chants. D’habitude, la transmission des chants au tambour est souvent limitée et liée à des traditions. Mais le grand tambour collectif est un symbole de paix et de rassemblement, dans le but de rétablir la paix. C’est pourquoi sa pratique s’est transmise de nation en nation, et s’est propagée chez la plupart des Autochtones du Canada et des États-Unis. Elle existe encore aujourd’hui.

    1934

    Les pensionnats

    Les pensionnats

    Le gouvernement fédéral et l’Église établissent des pensionnats autochtones dès 1934 au Québec, dans un but d’évangéliser, assimiler et acculturer les Autochtones. Dans ces institutions, ces derniers apprennent la musique occidentale: chorale, chants grégoriens, instruments comme la guitare, le piano, la batterie. Ils apprennent aussi à faire de la musique en groupe ou à donner des concerts, deux pratiques qui n’existent pas dans les traditions autochtones.

    1941

    Buffy Sainte-Marie

    Née dans la communauté Piapot de la Vallée Qu’Appelle en Saskatshewan, Buffy Sainte-Marie est une artiste crie, pionnière de la musique populaire autochtone au Canada. Devenue orpheline en bas âge, elle est adoptée et élevée par de la famille dans le Maine, où elle grandit. Toujours à l’avant-garde dans le monde de la folk, elle donne ses premiers spectacles en 1962 au Canada, puis aux États-Unis sur des scènes new-yorkaises. Parmi ses titres à succès, on compte Universal Soldier (1964), qui deviendra un hymne du mouvement contre la guerre du Vietnam, censurée aux États-Unis à l’époque. Dès 1975, elle rejoint Sesame Street en tant que comédienne, chanteuse et conteuse, l’occasion pour elle de transmettre de nombreux enseignements sur les Autochtones. Elle est encore très active aujourd’hui et a inspiré de nombreux artistes autochtones contemporains.

    1948

    Morley Loon

    Morley Loon

    Cri-Eeyou originaire de Mistissini, Morley Loon est considéré comme le pionnier de la chanson folk en langue autochtone au Québec. Il fut le premier à chanter de la folk en langue cri, en dépit des moqueries des gens de son village. Auteur-compositeur interprète, on lui doit Agajee dona nooch (Yo Ya He Yay) – reprise par Ancestral Fire. Élève au Collège Manitou, il a fortement inspiré l’Innu Philippe Mckenzie à créer ses propres chansons folk dans sa langue, artiste aujourd’hui reconnu comme le pionnier du mouvement de musique populaire en langue innu. Morley Loon a côtoyé et influencé les chanteurs folk autochtones des années 1960-1970 avec sa musique et son style à la Mike Jagger. De quoi faire danser les jeunes autochtones.

    1950

    La pop allochtone

    La pop allochtone

    En avant la pop! Dès les années 50, la pop allochtone venant d’Europe et des États-Unis fait des adeptes chez les adolescents et les jeunes adultes. Certains jeunes vont même jusqu’à traduire les paroles des « hits » du moment dans leur langue, pour en faire des reprises version autochtone. Le chanteur Émile Grégoire finira ainsi par être surnommé « l’Elvis Innu ». Les membres du groupe de Kahnawake The Mighty Mohawks: Indian Showband reprenaient aussi les tubes d’Elvis (dont Jailhouse Rock habillés en prisonniers, mais coiffés de chevelures style mohawk).

    1960

    Le mouvement folk autochtone


    Dans les années 60 et 70, place à la folk! Les artistes Willie Dunn, Morley Loon, Gilles Sioui, Willy Mitchell sont – entre autres – à l’origine d’un grand mouvement de musique folk autochtone. En 1967, Willie Dunn (Mi’kmaq) est l’un des heureux élus autochtones à se présenter en spectacle pendant la fameuse Expo ’67 de Montréal.

    1973

    Le Collège autochtone Manitou


    Le Collège autochtone Manitou est considéré comme l’un des berceaux de la scène musicale populaire autochtone au Québec. Ouvert en 1973 à La Macaza, de nombreux artistes et leaders autochtones ont étudié sur les bancs de l’établissement, fondé dans une ancienne base militaire abandonnée. Raison pour laquelle la vie là-bas ressemblait tant à celle d’un village… Des élèves de Nations différentes ont étudié ensemble des savoirs traditionnels enseignés par des anciens. Les matières au programme conjugaient médecine botanique, sculpture de bois ou tannage de peaux, mais aussi comme des cours de photo ou d’audiovisuel. L’ONF a notamment contribué à la réalisation de films 16 mm. Mais l’aventure est de courte durée: le Collège ferme en 1976, non sans avoir fait germé de nombreux leaders autochtones.

    Save James Bay Fund

    Save James Bay Fund

    En 1973, Hydro Québec lance son projet de construction hydroélectrique dans la Baie James. Pour défendre les Cris vivant dans la région, le festival bénéfice pour le Save James Bay Fund rassemble une multitude d’artistes de différentes nations, dans l’ancienne aréna de 4 000 places Paul-Sauvé. Parmi les artistes présents, on retrouve Alanis O’Bomsawin (Abénakis), Willie Dunn (Mi’kmaq), Sugluk (Inuit), des groupes traditionnels autochtones et des artistes allochtones comme Joni Mitchell, Louise Latraverse, Pauline Julien et Gilles Vigneault.

    1980

    Festival Sweet Grass Music

    Festival Sweet Grass Music

    Le Festival Sweet Grass Music à Val d’Or est un événement très important dans l’histoire de la musique populaire autochtone au Québec. Organisé par Willy Mitchell et Jeanne Poirier, ce festival cristallise le besoin et la volonté des jeunes autochtones de s’exprimer et de se réunir autour de la musique. Un album vinyle « live » est enregistré de façon indépendante, Sweet Grass Music (1981), avec des titres des grands chanteurs folk de l’époque comme Willy Mitchell (Anishnabe) et son Desert River Band, Willie Dunn (Mi’kmaq), Morley Loon (Cri), Willy Thrasher (Inuit) ou Roger House (Cri).

    2000

    Les groupes de musiciens

    Les percussions sont au cœur de nombreux groupes de différentes Nations, qui jouent des chants sur des tambours généralement appelés teweikan. Chez les Anishnabe, on trouve par exemple les groupes Eagle River et Screaming Eagle ; chez les Atikamekw, les groupes Wemotashee Singers, Black Bear, Moose Town Singers, Northern Voice. Chez les Cris, le groupe Waseskun. Tous ces interprètes et parfois auteurs-compositeurs chantent dans leurs propres langues sur la plupart de leurs albums.

    2011

    Gala Teweikan au Québec – musique autochtone

    Gala Teweikan au Québec – musique autochtone

    Dans l’idée de rassembler toutes les nations, la SOCAM lance le Gala Teweikan. Même si l’objectif n’est pas totalement atteint car toutes les nations ne sont pas toutes représentées, l’événement est l’occasion d’instaurer une remise de trophées autochtones, dans la veine des Junos et l’ADISQ.

    2018

    La musique pour garder le fil des traditions

    La musique pour garder le fil des traditions

    Les questions identitaires sont complexes pour les jeunes générations, dont le mode de vie est souvent très éloigné de celui des anciennes. Si le contact auprès des aîné(e)s contribue à renforcer leur identité, de plus en plus de jeunes s’identifient à un mouvement panautochtone, qui prône un partage des spiritualités et pratiques culturelles. Une façon de s’inscrire dans un processus de revitalisation et de guérison.
    Bien que les nations du Québec conservent leurs cultures locales, les nouvelles générations s’inspirent aussi des traditions de l’Ouest. Très spectaculaires visuellement, elles partagent ainsi le tambour collectif, des danses, le protocole et l’organisation spatiale de leurs célébrations. Le mouvement culturel et spirituel des pow wow fait notamment partie des traditions musicales qui permettent de garder un lien avec le passé.

    Contemporain

    Contemporain

    La relève a de beaux jours devant elle. Les organismes comme Musique Nomade et Wapikoni Mobile forment de nombreux jeunes à devenir des musiciens dans les communautés autochtones partout au Québec. Shauit, Moe Clark, Pakesso Mukash et bien d’autres artistes contemporains mêlent musiques traditionnelles et nouveaux genres – folk, rock, hip hop, reggae… Un métissage au pouvoir de toucher un public de plus en plus large.